Berlinale-Hommage für Willem Dafoe: Sie hatten ihn alle

Eine ganze Generation ist mit seinem Gesicht auf der Leinwand groß geworden. Nun bekommt Willem Dafoe den Ehrenbären der Berlinale.

Willem Dafoe in „Antichrist“ (Lars von Trier), 2009​ ​ Foto: Christian Geisnaes/Berlinale

Er ist ein schauspielerisches Chamäleon, auch wenn sein Gesicht alles andere als unauffällig ist. Diese hohen, markanten Wangenknochen, die stechenden Augen, das dichte Haar. Als gotisch wurde sein Gesicht beschrieben, flämisch, göttlich, teuflisch; in jedem Fall unverwechselbar. Die Rede ist von Willem Dafoe, dem amerikanischen Schauspieler, der am nächsten Mittwoch für sein Lebenswerk mit dem Goldenen Ehrenbären ausgezeichnet wird.

Wer seine filmische Sozialisation in den 80er Jahren begonnen hat, kam nicht an Dafoe vorbei, für den wurde der 1955 geborene Mime zu einem dauerhaften filmischen Wegbegleiter, so wie es vielleicht Tom Cruise, Meryl Streep oder Tom Hanks sind. Auf deren Level des Ruhms hat es Dafoe nie geschafft – und vermutlich ist er selbst ganz froh darüber.

„Der Star versucht, sich ein Drehbuch zurechtzubiegen – der Schauspieler hingegen ordnet sich der Geschichte unter. Das wissen Regisseure auch zu schätzen: Wer gute Ideen für die Inszenierung hat, will sich nicht mit nervigen, egozentrischen Filmstars herumschlagen.“

So hat Dafoe einmal seinen Ansatz beschrieben, der ihm zu einer langen, erfolgreichen Karriere verholfen hat, in der er für Regiestars wie Martin Scorsese, Paul Schrader, William Friedkin, Oliver Stone, Abel Ferrara, Wim Wenders oder Lars von Trier vor der Kamera stand, für viele auch mehrmals, was sicherlich kein Zufall ist.

Anfänge in der Wooster Group

Angefangen hat alles in Appleton, Wisconsin, wo Dafoe als siebtes von acht Kindern geboren wurde. Sein Vater war Arzt, seine Mutter Krankenschwester, eine typische Familie der amerikanischen Mittelschicht.

Schon an der High School spielte Dafoe Thea­ter, studierte ein paar Semester, bevor er Mitte der 70er Jahre nach New York ging, seinen Namen vom gewöhnlichen William in das irgendwie exotischer wirkende Willem änderte und seine schauspielerische Heimat fand: Die ­Wooster Group, eine experimentelle Theatergruppe, deren Gründungsmitglied Dafoe war, ebenso wie die Regisseurin Eliza­beth LeCompte, mit der er auch privat liiert war. In winzigen Räumen in Manhattan führt die Gruppe ihre Stücke auf, oft Dekonstruktionen von Klassikern, Collagen aus Tanz, Musik, Video, Performance Art und Schauspiel.

Das Endergebnis interessiert Dafoe gar nicht so sehr – aber es reizt ihn, neue Figuren zum Leben zu erwecken, neue Facetten an sich selbst zu entdecken

Im Gegensatz zu vielen Hollywood-Stars, die später in ihrer Karriere mal am ­Broadway oder im Londoner Westend auftraten, um zu beweisen, dass sie auch auf der Bühne bestehen können, nahm Dafoe den umgekehrten Weg und schaffte es, lange Jahre beides zu vereinen: zunehmend großen Erfolg im Film und ein Leben im Theater, das vor allem durch Touren durch Europa finanziert wurde. Erst als sich Dafoe neu verliebte und seine Beziehung mit LeCompte endete, endete auch seine Zeit in der Wooster Group.

Die für den ambitionierten, wohl auch etwas rastlosen Schauspieler jedoch schnell zu klein wurde. Anfang der 80er Jahre versuchte er in Hollywood Fuß zu fassen und bekam eine erste Rolle in Michael Ciminos legendärem Western „Heaven’s Gate.“ Während dessen Dreharbeiten er prompt gefeuert wurde: Offenbar störte sich der Regisseur daran, dass Dafoe über einen Witz zu laut lachte.

Man kann es sich leicht vorstellen: Lautes, entfernt diabolisch wirkende Lachen, ein unverschämtes Grinsen im Gesicht, gerade so wie in einer seiner berühmtesten Rollen, Bobby Peru in David Lynchs „Wild at Heart“. 1990 war das, Dafoe hatte den Ruf, vor allem Bad Guys zu spielen, Antagonisten, finstere, sinistre Gestalten.

Dabei hatte er zu diesem Zeitpunkt schon zweimal Jesus gespielt, einmal metaphorisch, in Oliver Stones Vietnam-Drama „Platoon“, in dem er als innerlich zerrissener und äußerlich vernarbter Sergeant Elias zu den elegischen Klängen von Albinonis Adagio erschossen wird und in der berühmtesten Szene des Films, im Moment des Todes, seine Arme christusgleich gen Himmel reckt.

Die queeren Filme der Berlinale

Die Berlinale geht los! Vom 15. bis zum 25. Februar schaut die Filmwelt auf Berlin. Und wir schauen wieder auf die queeren Festivalfilme und ihre eindringlichen Geschichten – viele davon stammen in diesem Jahr aus Brasilien. Aber lesen, sehen und klicken Sie doch einfach selbst. Foto: dpa

„Obscuro Barroco“: Die griechische Regisseurin Evangelia Kranioti folgt in poetischen Bildern ihrer transidenten Erzähler*in Luana Muniz, die als Ikone der queeren Subkultur Brasiliens gilt. Ein Reise durch die pulsierende Welt der Nachtgestalten Rio de Janeiros. Foto: Evangelia Kranioti

„Je fais où tu me dis“: die Suche nach der eigenen sexuellen Identität – der Schweizer Film von Marie de Maricourt erzählt von Sehnsüchten und dem ersten Aufbegehren. Die 20-jährige Sarah fühlt sich im gutbürgerlichen Haushalt ihrer Eltern eingeengt. Putzfrau Victoria hilft ihr daraus auszubrechen und bringt damit das familiäre Gleichgewicht ins Wanken. Foto: GoldenEggProduction/Fanny Mazoyer

„Toppen av ingenting“: Jede Party geht einmal zuende – nach einem Leben im Luxus erbt Nojet ein Mietshaus in der Innenstadt von Stockholm. Die 68-jährige kehrt aus dem sonnigen Süden in die Heimat zurück. Eine Frau, die immer noch den wilden Zeiten von früher nachhängt und sich nun neu finden muss, aber nicht unbedingt will. Foto: Pierre Björk

„Game Girls“: „Hauptstadt der Obdachlosen“ – so nennt man das Viertel Skid Row in L.A. Teri und Tiahna haben gelernt, dort über die Runden zu kommen. Der Alltag des lesbischen Paares spielt zwischen Alkoholsucht, Drogenverkauf und Haft. Ihre Hoffnung lassen sich die zwei dennoch nicht nehmen. Ein Portrait über das Leben am gesellschaftlichen Rand der USA. Foto: Films de Force Majeure/Blinker Filmproduktion

„Don't Worry, He Won't Get Far on Foot“: Aus der Autobiografie von John Callahan ist nun ein Film geworden. Joaquin Phoenix spielt den 2010 verstorbenen US-Cartoonisten, der nach einem Autounfall mit 21 Jahren querschnittsgelähmt im Rollstuhl saß und die Arme nur noch leicht bewegen konnte. Daher rührte auch der einzigartige Stil seiner Karikaturen. Foto: 2018 Amazon Content Services LLC/Scott Patrick Green

„Bixa Travesty“: Linn will keine Cis-Frau sein, sondern eine Dame mit Penis. Als Transfrau aus der armen Peripherie São Paulos erhebt sie ihre Stimme für die Queers of Colour der Favelas. Ein Angriff auf die heteronormative Geschlechterordnung Brasiliens. Mit viel Elektromusik. Mit bunten Kostümen. Und mit viel Twerking. Foto: Nubia Abe

„Hojoom“: Den gesamten Film über wird nicht benannt, was die Männer in dem Stadion da eigentlich für einen Sport betreiben. Aber darum geht es auch gar nicht. Eine Leiche wurde gefunden. Nun soll der Tathergang rekonstruiert werden. Ein Reenactment, dass beklemmend und kammerspielartig das Lebensgefühl vieler junger Menschen im Iran wiedergeben soll. Foto: Abdolreza Nikou

„Tinta Bruta“: Pedro verdient sein Geld in Chatrooms. Als NeonBoy beginnt sein Körper vor der Webcam zu leuchten. Langsam lässt der junge Mann seine Finger erst in Farbtöpfe und danach über seinen nackten Körper wandern. Jenseits der Kamera kämpft er gegen viele Ressentiments. Auch dieser Film kritisiert die zunehmende Homophobie in Brasilien. Foto: Avante Filmes

„Ondes de choc – Prénom: Mathieu“: Misshandelt und vergewaltigt liegt Mathieu Reymond in einem Schilffeld. Erst nach seiner Entlassung aus dem Krankenhaus kommen die Erinnerungen zurück. Doch das bürgerliche Leben in der Kleinstadt lässt den 17-jährigen damit alleine. Der Schweizer Film zeigt ein Trauma, das auf einer wahren Begebenheit beruht. Foto: Bande à part Films/Jeanne Lapoirie

„Yours in sisterhood“: Auf ihrer Reise durch die USA lässt Dokumentarfilmerin Irene Lusztig mehrere Frauen vorlesen und kommentieren – und zwar 40 Jahre alte Leserbriefe. Diese stammen aus dem Archiv der liberal-feministischen Zeitschrift „Ms.“. So wird Stück für Stück eine Verbindung zwischen heutiger und früherer Frauenbewegung hergestellt. Foto: R. Ron Jones

Kurze Zeit später war er dann wirklich Christus, in Martin Scorseses Verfilmung von Nikos Kazantzakis „Die letzte Versuchung Christi.“ Mit blonden, langen Haaren wirkte Dafoe hier so weich und verletzlich wie selten, eine Seite, die Paul Schrader, Drehbuchautor von „Taxi Driver“ und „Letzte Versuchung“, interessierte und für seinen brillanten „Light Sleeper“ ausnutzte, mit dem Dafoe 1992 bei der Berlinale zu Gast war.

Ende 30 war Dafoe inzwischen schon, älter, weiser, nicht mehr so jung und ungestüm wie in frühen Filmen, als er oft in Leder gekleidete Biker spielte, in Kathryn Bigelows „The Love­less“ etwa oder Walter Hills grandiosem Rock-Musical „Streets of Fire“, aber dadurch noch interessanter.

Verfaulte Zähne, spießige Brille

Auch wenn er einmal von seinem typischen physischen Spiel abwich und auch keine markante körperliche Veränderung den Weg in die Rolle ebnete so wie in „Wild at Heart“ die verfaulten Zähne, im Bürgerrechtsdrama „Mississippi Burning“ die spießige Brille und der konservative Anzug eines FBI-Beamten oder im späteren „Shadow of the Vampire“ die zentimeterlangen Fingernägel.

In „Light Sleeper“ ist Dafoe ganz er selbst, zumindest äußerlich. Einen Drogendealer spielt er, der auf den Straßen New Yorks unterwegs ist, um seine Kunden zu treffen, dabei aber zunehmend das Gefühl hat, dass etwas in seinem Leben fehlt. Ein typischer Loner, wie ihn Schrader oft zeigte, eine einsame Seele, in einer faszinierenden, gefährlichen Halbwelt gefangen, aus der ihn die Liebe einer Frau erlöst.

Qualitätsfilme sind dies, so wie auch Dafoes Arbeit in von Triers „Antichrist“ oder Ferraras „Pasolini.“ Doch Dafoe unterscheidet nicht zwischen großen und kleinen, zwischen anspruchsvollen und Unterhaltungsfilmen. Auch Rollen in einem Actionfilm wie „Speed 2“ oder dem Erotikdrama „Body of Evidence“ betrachtet Dafoe als Chance, sich als Schauspieler weiterzuentwickeln, Neues auszuprobieren, nicht zu rosten.

Dass er für einen Film wie „Spiderman“ auch eine Millionengage bekommt, schadet dabei fraglos nicht, mit diesem Geld hat er jahrelang die Wooster Group mitfinanziert und sich selber die Freiheit gegeben, auch kleinste Filmprojekte anzunehmen. So wie „The Florida Project“, der Mitte März in Deutschland in die Kinos kommt.

Für seine Rolle als Hausmeister in einer Wohnanlage in Florida, in der sozial Schwache ein Leben am Rand des Existenzminimums führen, ist Dafoe zum dritten Mal für den Oscar nominiert und könnte den Preis nach Nominierungen für „Platoon“ und „Shadow of the Vampire“ endlich auch gewinnen. Verdient hätte er ihn allemal, doch so gelassen wie Dafoe seine Arbeit angeht, so unprätentiös und in sich ruhend er wirkt, darf man davon ausgehen, dass ihm solch ein Preis nicht allzu wichtig ist.

Seine eigenen Filme schaut sich Dafoe nach eigener Aussage nie an, denn dabei sei er immer enttäuscht, enttäuscht, dass sich all die Abenteuer, die er während der Dreharbeiten erlebte, die jedes einzelne Projekt neu und ungewöhnlich gemacht haben, nur bedingt auf der Leinwand wiederfinden.

Weniger das Endergebnis als die Arbeit scheint es also zu sein, was Dafoe antreibt. Die Möglichkeit, mit immer neuen, interessanten Regisseuren zu arbeiten, neue Figuren zum Leben zu erwecken, neue Facetten an sich selbst zu entdecken. In einer nun schon fast vier Jahrzehnte währenden Karriere mit über 100 Filmen ist Willem Dafoe dies eindrucksvoll gelungen.